sábado, 28 de julio de 2012

EDVARD MUNCH



- El espectador debe adquirir conciencia de lo que la pintura tiene de sagrado, de modo que se descubra ante ella como en la iglesia.

- Mi arte  se basa en una única reflexión: ¿por qué no soy como los demás?

- Pinto de mi memoria las impresiones de mi infancia .
- Mi arte da sentido  a mi vida.
- Si temor  y enfermedad, mi vida sería como un barco sin remos.

- El arte es el corazón de la sangre.


- Simbolismo quiere decir que la naturaleza la configura nuestro propio estado  de ánimo.

- El arte deriva de un deseo de la persona para comunicarse con otro

- La cámara fotográfica no podrá competir con el pincel y la paleta mientras no pueda utilizarse en el cielo y en el infierno.
- No voy a pintar más interiores con hombres leyendo y mujeres tejiendo. Voy a pintar la vida de personas que respiran, sienten, sufren y aman.

Edvard Munch fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. Sus obras son como variaciones constantes sobre la gran sinfonía de la existencia humana en sus lados diurnos, pero aún más, como es congruente con la sensibilidad finisecular, en los nocturnos. El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El Grito, tal vez su mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso). Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos. Cont

IGOR STRAVINSKI


















- No basta con oír la música; además, hay que verla.

Escuchar es un esfuerzo, y sólo escuchar no es mérito. Un pato oye también.

¡Prisa! Nunca tengo prisa, no tengo tiempo.

Seguir un sólo camino es retroceder.

¿Acaso no es por el amor que tenemos éxito en llegar hasta la esencia misma del ser?

- Una revolución no es sino el desplazamiento de un móvil que, luego de recorrer su giro retorna al punto de partida.

- Soy un inventor de la música

- La música es incapaz de expresar nada por sí misma.

- Un buen compositor no imita; roba.



 Ígor Fiódorovich Stravinski fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX. Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz. Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética musical), en el cual dijo una famosa frase: «La música es incapaz de expresar nada por sí misma» Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky (Conversaciones con Stravinski). Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX. Murió en Nueva York el 6 de abril de 1971 a la edad de 88 años y fue enterrado en Venecia en el cementerio de la isla de San Michele. Su tumba está cerca de la de su antiguo colaborador Diáguilev. La vida de Stravinski abarcó la mayor parte del siglo XX, incluyendo muchos estilos de música clásica moderna, influenciando a muchos compositores durante su vida y después de su muerte. Una Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en Hollywood Boulevard 6340 está colocada a su nombre.

FERNANDO BOTERO



- Cuando comienzas una pintura es algo que esta fuera de ti. Al terminarla, parece que te hubieras instalado dentro de ella.
- El arte de la pintura consiste en aclarar y oscurecer los tonos sin decorarlos.

En mis cuadros hay cosas improbables, no imposibles.


- El arte es espiritual, un respiro inmaterial de las dificultades de la vida.

 Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Colombia). Icono universal del arte, su extensa obra es reconocida por niños y adultos de todas partes por igual. Es considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más reconocido y cotizado actualmente en el mundo. La obra de su autoría lleva impreso un original estilo figurativo neorrenacentista contemporáneo, denominado por algunos como "Boterismo", el cual le da una identidad inconfundible y conmovedora a las mismas, y se caracteriza por la interpretación que da el artista a diversas temáticas universalBes. (el ser humano, la mujer, el hombre, sus sentimientos, pasiones, dolores, creencias, vicios, costumbres, su cotidianidad, sus relaciones interpersonales, mitos, leyendas, manifestaciones culturales, así como dramas, acontecimientos y personajes históricos, sociales y políticos, hitos del arte, hasta objetos, animales, paisajes y la naturaleza en general), con una volumetría exaltada, que impregna de un especial carácter tridimensional, así como de fuerza y sensualidad a la obra, junto a una concepción anatómica particular, una estética que cronológicamente podría encuadrarse entre los años treinta a cuarenta en occidente, en temáticas que pueden ser contemporáneas o pasadas, pero con vocación universal, con un uso vivaz y magistral del color al estilo de la escuela veneciana renacentista y finos detalles de crítica mordaz, ironía y sutileza. Botero es uno de los pocos artistas (por no decir el único), que se ha dado el lujo de exponer sus obras en varias de las avenidas y plazas más famosas del mundo, como los Campos Elíseos en París, la Gran Avenida de Nueva York, el Paseo de Recoletos de Madrid, la Plaza del Comercio de Lisboa, la Plaza de la Señoría en Florencia, frente al palacio de Bellas Artes en Ciudad de México y hasta en las Pirámides de Egipto.

JUAN GRIS
















- Después de todo, la pintura se ha de hacer tal como uno es.

- Prefiero la emoción a las reglas correctas.

- Trato de hacer concreto lo que es abstracto.

- Siempre acaricio al perro con la mano izquierda, porque si me muerde me queda la derecha para pintar

En el arte, como en la biología, no hay herencia si no hay ancestros. Los pintores heredan características adquiridas por sus ancestros.

Cubismo no es de forma, sino una estética, e incluso un estado de ánimo, por lo que es inevitablemente que esté conectado con cada manifestación del pensamiento contemporáneo. Es posible inventar una técnica, pero no se puede inventar toda la complejidad de un estado de ánimo.

- Juventud no es la del que tiene veinte años. Joven es aquel que se conmueve ante cualquier injusticia en el mundo.



José Victoriano González-Pérez, conocido artísticamente como Juan Gris, fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo. Juan Gris nace en Madrid en 1887, en el seno de una familia bien situada, lo que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media. En 1906, para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París, donde conoce a Pablo PicassoFernand Léger y Georges Braque. Vivía en un hostal, en el Bateau-Lavoir de Montmartre durante unos diez años. En sus últimos años Juan Gris diseñó escenografías para dos montajes de ballet de DiaghilevAl igual que otros cubistas y que el arte moderno en general, Juan Gris tuvo escaso predicamento en los circuitos culturales españoles mientras vivió. Todavía décadas después de su muerte, su producción tenía escasísima presencia en los museos públicos.  En enero de 1927 Gris pinta unas tres horas diarias y dibuja algo por las tardes. Tiene crisis asmáticas cada vez más fuertes. El día 22, por recomendación médica, parte para el balneario de Puget-Thèniers, en los Alpes Marítimos. El cambio de aires no le alivia. Se le diagnostica uremia. El día 24, Gris y su compañera Josette regresan precipitadamente a Boulogne sur-Seine. De febrero a mayo sufre tres ataques graves de uremia. En Abril realiza su última obra "Femme au panier. Mientras lucha con la muerte, sus amigos le acompañan: PIcasso, Beaudin, Suzanne Roger, Eli Lascaux y Kahnweiller. El dìa 11 de mayo, Juan Gris fallece en Boulogne-sur-Seins. Dos días después es enterrado en el cementerio de la localidad . Presiden el duelo, su hijo Georges, Kahnweiller, Picasso, Lipchitz y Raynal

PAUL KLEE



- El arte no reproduce lo visible. Lo hace visible

Destacar sólo lo hermoso  me parece como un sistema matemático que sólo se ocupa de los números positivos.

- Una línea es un punto que camina.

- Naturaleza puede darse el lujo de ser prodigio en todo, el artista debe ser frugal hasta el último detalle.

- Un dibujo es simplemente una línea que va derecha.

- El color me posee. No siempre me poseen. Ese es el significado de esta hora feliz: el color y yo somos uno. Soy un pintor.

- Todas las cosas que un artista debe ser: poeta, explorador de la naturaleza y filósofo.

- Lo principal no es comenzar a pintar precozmente, sino ser primeramente un individuo. El arte de dominar la vida es el requisito previo para todas las demás formas de expresión, ya sean pinturas, esculturas, tragedias, o composiciones musicales.

- Lo hermoso, que quizás es inseparable del arte, no está después de todo vinculada a este asunto, sino a la representación pictórica. De esta manera y en ningún otro arte se superar lo feo evitándolo.

- Hay una tratando de hacer hincapié en el carácter esencial de la casualidad.

- Un día es bastante para hacernos un poco más grandes o una hora, un poco más pequeños.

- Mi espejo mira hacia el interior. Las palabras las escribo en la frente y alrededor de las esquinas de la boca. Mis rostros humanos son más ciertos que los reales.

 Paul Klee fue un pintor alemán nacido en Suiza, que desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicalesAl regresar de un viaje a Italia, se asentó en Múnich, donde conoció a Vasili Kandinski, Franz Marc y otras figuras de vanguardia, y se asoció al Blaue ReiterDespués de la Primera Guerra Mundial, donde participó como soldado por ser ciudadano alemán, Klee enseñó en la Bauhaus, y a partir de 1931, en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, antes de ser denunciado por los nazis por producir «arte degenerado». En 1933 dejó la enseñanza y regresó a Berna, donde realizó una gran exposición en la Kunsthalle (1935). En 1936 se le diagnosticó esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa que le acompañaría el resto de su vida, aunque siguió trabajando a buen ritmo. En 1940 fue internado en una clínica de Muralto-Locarno, donde falleció el 29 de junio

GUSTAVE KLIMT





- Cuando pinto, uno de mis mayores sentimientos de placer es la conciencia de que estoy creando oro

- Soy un pintor que pinta día tras día de la mañana a la noche. Quien quiera saber algo de mí, debería mirar cuidadosamente mis cuadros


 El arte es una línea alrededor de tus pensamientos. 

- Todo arte es erótico

- No hay nada especial en mí. Soy pintor, alguien que pinta todos los días de la mañana a la noche. Figuras, paisajes; de vez en cuando, retratos


- Para cada época su arte, al arte su libertad

Gustav Klimt fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte. En 1911, gracias a La vida y la muerte, Klimt es galardonado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma. En 1915, murió su madre, Anna. Tres años más tarde, tras haber pasado un infarto, neumonía y la llamada gripe española, Klimt falleció. El artista, en su lecho de muerte, preguntó por Emilie Flöge, veinte años menor que él y con la que nunca quiso contraer matrimonio. En su taller dejó inacabadas gran cantidad de obras. Un número considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura nazi. Al avance de las tropas enemigas, y al ver que sus obras se convertirían en botín de guerra, decidieron quemar el castillo donde éstas permanecían confiscadas.

PAUL MCCARTNEY























- En esta vida el que no se rinde es un verdadero valiente

- Amor es todo lo que necesitas

- Pienso que el único lugar solitario fue la luna


 James Paul McCartney es un músico multi instrumentista, empresario, cantante, compositor, productor musical, pintor y activista pro-derechos de los animales. Exintegrante de The Quarrymen , The Beatles  y Wings McCartney ganó fama mundial como miembro de The Beatles, junto a John Lennon, George Harrison y Ringo Starr. McCartney y Lennon formaron una de las parejas de compositores más influyentes y exitosas, y escribieron algunas de las canciones más populares en la historia de la música rock. Después de dejar The Beatles, McCartney emprendió una exitosa carrera en solitario y formó el grupo Wings con su primera esposa, Linda Eastman, y el cantante y compositor Denny LaineMcCartney figura en el Libro Guinness de los récords como el «músico y compositor más exitoso en la historia de la música popular», con 60 discos de oro y ventas de 100 millones de sencillos en el Reino Unido McCartney ha compuesto bandas sonoras para películas, música clásica y electrónica, dio a conocer un amplio catálogo de canciones como artista en solitario, y ha participado en proyectos para ayudar a organizaciones benéficas internacionales. Es un defensor de los derechos de los animales, el vegetarianismo, y para la educación musical, además, participa activamente en campañas contra las minas terrestres, la caza de focas, y la deuda del Tercer Mundo. Es un entusiasta aficionado al fútbol, apoya a los clubes Everton FC y Liverpool FC. Su compañía MPL Communications posee los derechos sobre más de 3000 canciones, incluyendo todas las canciones escritas por Buddy Holly, junto con los derechos de publicación de musicales como Guys and DollsA Chorus Line, y Grease. McCartney es una de las personas más ricas del Reino Unido, con una fortuna estimada de 475 millones de libras esterlinas en 2010. Asimismo, fue el encargado de cerrar la Ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, interpretando su canción «Hey Jude»

WASSILY KANDINSKI



- El artista es la mano que, mediante una tecla determinada, hace vibrar el alma humana

- Quien crea una obra, crea un mundo


Es bello lo que procede de una necesidad interna del alma.

El arte va más allá de su tiempo y lleva parte del futuro.

El artista debe ser ciego frente a la forma reconocida o no, del mismo modo que debe ser sordo a las enseñanzas y los deseos de su tiempo. 

Como el alma se encuentra estrechamente ligada al cuerpo, una emoción cualquiera puede provocar siempre, por asociación, otra que corresponda con ella.

Wassily Kandinsky fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica. Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.  En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y elAlmanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil. Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

ISABEL I DE INGLATERRA


 - La cólera da ingenio a los hombres apagados, pero los deja en la pobreza.


Isabel I, en inglés Elizabeth I, a menudo conocida como La Reina Virgen, Gloriana o La Buena Reina Bess, (1533 –1603) fue reina de Inglaterra e Irlanda desde el 17 de noviembre de 1558 hasta el día de su muerte. Isabel fue la quinta y última monarca de la Dinastía Tudor. Hija de Enrique VIII, nació como princesa, pero su madre, Ana Bolena fue ejecutada cuando ella tenía tres años, con lo que Isabel fue declarada hija ilegítima. Sin embargo, tras la muerte de sus medios hermanos Eduardo VI y María I, Isabel asumió el trono. Una de las primeras medidas que tomó fue establecer una iglesia protestante independiente de Roma, que luego evolucionaría en la actual Iglesia de Inglaterra, de la que se convirtió en la máxima autoridad. Se esperaba que Isabel contrajera matrimonio, pero pese a varias peticiones del Parlamento, nunca lo hizo. Las razones para esta elección no se conocen, y han sido ampliamente debatidas. A medida que Isabel fue envejeciendo, su virginidad la volvió famosa, y un culto creció alrededor de ella, celebrado en retratos, desfiles y literatura de la época. La reina se hizo cargo de un país dividido por cuestiones religiosas en la segunda mitad del siglo XVI. Durante su reinado, Inglaterra tuvo un gran esplendor cultural, con figuras como William Shakespeare y Christopher Marlowe; también han sido importantes personajes Francis Drake y John Hawkins. Mantuvo gélidas relaciones con Felipe II, con quien libró una guerra que arruinó económicamente a ambos países. Su reinado de 44 años y 127 días ha sido el quinto más largo de la historia inglesa, por detrás de los de Victoria I, Isabel II, Jorge III y Eduardo III de Inglaterra

DORIS DAY



















"Me ha llevado demasiado tiempo entenderme con las personas. Hoy creo que sólo los animales se merecen mi cariño." 

 Doris Mary Ann Kappelhoff (1923), más conocida como Doris Day, es una actriz y cantante estadounidense. Filmó 39 películas, grabó más de 650 canciones, protagonizó una comedia de situación y presentó un programa de entrevistas. Considerada un ícono de la comedia en la cinematografía hollywoodiense, se ha convertido en una de las intérpretes más taquilleras y reconocidas de los años 1950 y 1960. Junto a Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Lauren Bacall, entre otras, integró la Época de Oro del cine hollywoodiense. En sus filmes, dirigidos por cineastas como Michael Gordon, Michael Curtiz, Alfred Hitchcock y David Butler, trabajó junto a actores como Jack Carson, Frank Sinatra, Clark Gable y Rock Hudson. Varias veces galardonada por su carrera musical y como actriz, ha sido nominada para un premio Óscar y seis Globos de Oro. En reconocimiento a su trayectoria profesional recibió el premio Cecil B. DeMille en 1989, el premio Grammy a la carrera artística en 2008 y, además, una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Desde que se retiró de la interpretación a finales de los años 1980, Day se abocó a la defensa de los derechos de los animales.